Die Ausstellung WHERE ARE WE NOW in der Sammlung Philara in Düsseldorf bietet einen einzigartigen Überblick über die Miettinen Collection und präsentiert diese erstmals in einer derart umfassenden Form. Mit rund 150 Arbeiten von mehr als 80 Künstler*innen bespielt die Schau sämtliche Räume der Sammlung Philara und eröffnet in der großzügigen Eingangshalle mit einem der Kernthemen der Miettinen Collection: Landschaft und Natur. Dieses Themenfeld markiert die Ursprünge der Sammlung, die durch Timo Miettinen und seine Mutter mit dem Fokus auf finnische Landschaftsmalerei des 19. und 20. Jahrhunderts begründet wurde.

Zum ersten Mal tritt die international renommierte Künstlerin Marina Abramović mit dem Marina Abramović Institute (MAI) in einen künstlerischen Dialog mit dem Erbe von Joseph Beuys, einem der einflussreichsten Wegbereiter der Aktionskunst. Zugleich ist es das erste Mal, dass sich das MAI und die beteiligten Künstler:innen in einem langfristigen Prozess mit den Beständen einer sammelnden Institution auseinandersetzen. Bereits 2005 reinterpretierte Abramović Beuys‘ Performance „Wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt“ im New Yorker Guggenheim Museum. Im März war im Rahmen eines Residenzprogramms des MAI eine Gruppe von dreizehn internationalen Performance-Künstler:innen eingeladen, Beuys’ künstlerische Methoden zu erforschen und neue Performances für das Museum zu entwickeln.

Die Schau im einzigen Museum für einen Künstler des Informel im gesamten deutschsprachigen Raum wirft einen neuen Blick auf die Kunst des Informel und präsentiert Künstlerinnen, die diese abstrakte Richtung maßgeblich mitgeprägt haben. Gezeigt werden rund 80 hochkarätige Arbeiten von 14 Malerinnen und 2 Bildhauerinnen. Damit soll der kunsthistorische Kanon umlang übersehene Positionen von Künstlerinnen erweitert werden. Das Informel entwickelte sich nach dem Zweiten Weltkrieg zur vorherrschenden Kunstrichtung in Europa. Unter den Exponaten sind Entdeckungen wie das Frühwerk von Sarah Schumann, die sich auchals Kuratorin der wegbereitenden Ausstellung „Künstlerinnen International 1877–1977“ für die feministische Kunstgeschichtsschreibung einsetzte.

Das umfassende malerisch-konzeptuelle Werk des Künstlers Anton Henning, entstanden in über vier Jahrzehnten, ist 2025 in gleich fünf deutschen Museen und Institutionen zu sehen.
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Termine 2025
12 Wanderungen durch die Moderne - Museum Neuruppin | 23.02. – 16.06.2025
‍Zwischen Räumen - Museum Kunstpalast Düsseldorf | 08.05. – Oktober 2025
Interieur No. 681 - Kunstmuseum Bonn | ab 15.07.2025, Künstlergespräch: 18.10., 14 Uhr
Interieur No. 687 - Kunsthalle Bremen | ab 09.10.2025
Einzelausstellung TRÄUME, TRICHTER & TRICKSEREIEN - Sammlung Philara Düsseldorf | 18.10.2025 – 25.01.2026

Anlässlich des 650-jährigen Jubiläums von Sacrow präsentiert Ars Sacrow e.V. Werke aus der renommierten Miettinen Collection. Unter dem Titel „Exit Paradise“ versammelt die Ausstellung rund 130 Werke von mehr als 50 Künstlerinnen und Künstlern aus vier Kontinenten. Inspiriert vom biblischen Motiv der Vertreibung aus dem Paradies thematisiert die Schau das Spannungsfeld zwischen Körperlichkeit und Entfremdung, Erotik und Revolte, Natürlichkeit und Manipulation. Während klassische Darstellungen von Körperlichkeit zumeist auf religiöse oder weltliche Ideale rekurrieren, zeigen die ausgewählten Werke der Miettinen Collection fragmentierte, poppige und queere Körperbilder, die auf veränderte Rollenbilder und Körperkonzepte, Gruppenzugehörigkeiten und Geschlechterzuschreibungen verweisen.

Shilpa Gupta (*1976, Mumbai) erhält den Possehl-Preis für Internationale Kunst 2025. Anlässlich der mit 25.000 Euro dotierten Auszeichnung zeigt die Kunsthalle St. Annen die erste umfassende Museumsausstellung der Künstlerin in Deutschland. we last met in the mirror versammelt rund 25 Arbeiten aus zwei Jahrzehnten.

Gupta beschäftigt sich in ihrer Kunst mit Zensur, Staatsgewalt, Machtstrukturen sowie kollektiver Verantwortung. Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Reflexion ist häufig ihr Lebensmittelpunkt Mumbai. Die Künstlerin verknüpft lokale Beobachtungen mit universellen Fragestellungen. In Lübeck können Besuchende eigene Erfahrungen im Spiegel globaler Entwicklungen reflektieren. Zu sehen sind Installationen, Skulpturen, Sound- und Videoarbeiten, Zeichnungen sowie textile Werke.

Der Kultursommer 2025 auf Schloss & Gut Liebenberg startet im Mai mit einem vielfältigen Programm für Kinder, Jugendliche und Erwachsene. Er lädt dazu ein, Kultur, Natur und Geschichte in einem besonderen Rahmen zu erleben. Ob Open-Air-Kino im Schlosspark, Theateraufführung, Kulinarik, ein kreatives Sommerferienprogramm für Kinder, die Fête de la Musique,die Brandenburger Landpartie oder historische Führungen.

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Lübeck feiert: Zum 150. Geburtstag von Thomas Mann, dem berühmtesten Sohn der Stadt, widmet das Buddenbrookhaus eine umfassende Ausstellung dem Literaturnobelpreisträger, Schriftsteller und Weltbürger. Unter dem Titel „Meine Zeit. Thomas Mann und die Demokratie“ beleuchtet die Ausstellung Thomas Manns politische Entwicklung – von anfänglichem Konservatismus bis hin zu seiner klaren Positionierung als überzeugter Demokrat.

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DAS MINSK Kunsthaus in Potsdam zeigt im Herbst 2025 die Ausstellung Wohnkomplex. Kunst und Leben im Plattenbau. Gastkurator Kito Nedo widmet sich in der Gruppenausstellung der Frage, wiedie ostdeutschen Plattenbau-Siedlungen in der Kunst verhandelt werden. Wohnkomplex zeigt rund 50 Werke von Künstler:innen wie Karl-Heinz Adler, Sibylle Bergemann, Kurt Dornis, Markus Draper, Seiichi Furuya, Peter Herrmann, Sebastian Jung, Gisela Kurkhaus-Müller, Harald Metzkes, Sabine Moritz, Henrike Naumann, Nina Fischer & Maroan el Sani, Manfred Pernice, Uwe Pfeifer, Sonya Schönberger, Nathalie Valeska Schüler,Wenke Seemann, Robert Seidel, Christian Thoelke, Stephen Willats, Ruth Wolf-Rehfeldt und anderen. Präsentiert werden Installationen, Gemälde, Zeichnungen, Fotografien und Filme, die seit den 1970er-Jahren entstanden sind

Die Ausstellung beleuchtet erstmals die Bedeutung des Zeppelins als visuelles undsymbolisches Motiv in der Fotografie. Die interdisziplinäre Ausstellung untersucht, wie Bilder vom Zeppelin in verschiedenen politischen Kontexten zur nationalen Selbstrepräsentation und Machtausübung eingesetzt wurden und fragt in einer Zeit, in der Bilder allgegenwärtig sind, nach der Macht der Bilder, ihrer Manipulation und ihrem Wahrheitsgehalt. Internationale zeitgenössische Künstler*innen wie Aziza Kadyri, Christelle Oyiri und dem Kollektiv Ebb.global & Neïl Beloufa erweitern die Ausstellung mit neuen Werken, die speziell hierfür entwickelt wurden und einen queer-feministischen und nicht-westlichen Blick auf das Thema werfen.

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Mit A land as big as her skin widmet das Bonnefanten Museum der libanesisch-niederländischen Künstlerin Mounira Al Solh (*1978, Beirut) ihre erste umfassende Einzelausstellung. In ihren Arbeiten verknüpft sie zentrale Themen unserer Zeit – Feminismus, erzwungene Migration, Trauma, kulturelle Identität und Erinnerung – miteinem ebenso kraftvollen wie verspielten künstlerischen Ausdruck. Internationale Aufmerksamkeit erlangte Al Solhmit ihrem Beitrag zum libanesischen Pavillon auf der Biennale von Venedig 2024 sowie bei Artes Mundi 2023in Cardiff. Ihre Werke sind dringliche, gesellschaftlich relevante Auseinandersetzungen und machen Erfahrungensichtbar, die selten im Zentrum stehen.

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Mit Light-Land-Scapes eröffnet das Zentrum für Internationale Lichtkunst (ZfIL) neue Perspektiven auf die Vorstellung von Landschaft. Besucher:innen werden eingeladen, Landschaft nicht länger als Abbild der Natur zu begreifen, sondern als ein sinnliches Spiel aus Licht, Raum und Erlebnis. In den unter der Erde liegenden Gewölben der ehemaligen Lindenbrauerei entstehen leuchtende Topografien – keine Abbilder der Natur, sondern begehbare Erfahrungsräume zwischen Kunst, Architektur und Wahrnehmung. Die eigens für die Ausstellung entwickelten Installationen reagieren auf die charakteristische Architektur des Ortes – und erschaffen erstmals im ZfIL neue Umgebungen, die Landschaften allein durch Licht sichtbar werden lassen.

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Die Triennale Kleinplastik in Fellbach feiert 2025 ihre 16. Auflage. Seit über vier Jahrzehnten ist die renommierte Ausstellung für zeitgenössische Skulpturen im kleinen Format eine feste Größe im globalen Kunstgeschehen. Werke von rund 50 international renommierten Künstler*innen werden in der eindrucksvollen Kulisse der Alten Kelter zu sehen sein. Die 16. Triennale Kleinplastik Fellbach widmet sich unter dem Titel Habitate. Über_Lebensräume der Frage, wie wir angesichts globaler Herausforderungen in Zukunft zusammenleben können. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die fragile Beziehung von Mensch und Natur, der sich die Künstler*innen aus ganz unterschiedlichen Perspektiven nähern.

»In Touch« umspannt 40 Gemälde und Skulpturen aus der Sammlung der Hilti Art Foundation. 25 Künstler:innen des 20. Jahrhunderts begegnen sich in ihren Werken und treten zugleich in einen Dialog mit dem Publikum. Die Ausstellung gliedert sich in drei Themenfelder: „Connected“ beleuchtet Künstlernetzwerke und den inspirierenden Austausch untereinander, oft wird der menschliche Kontakt thematisiert, wie etwa Kandinskys Gemälde Entre Deux. „Same, same but different“ zeigt die stilistische Vielfalt der Moderne, in der Künstler wie Nolde, Beckmann und Feininger verwandte Themen in unterschiedlichen Darstellungen umsetzten. „Across Time“ veranschaulicht die kontinuierliche Auseinandersetzung von Künstlern mit den Errungenschaften ihrer Vorgänge an Arbeiten von Graubner und Corinth.

Mit Nature Never Loses rückt das Bonnefanten Museum erstmals das visionäre Werk von Carl Cheng (*1942,San Francisco) ins europäische Rampenlicht. Die Ausstellung ist die erste Retrospektive des chinesisch-amerikanischen Künstlers in Europa und bietet einen außergewöhnlichen und umfassenden Überblick über sechs Jahrzehnte seines zukunftsweisenden, genreübergreifenden künstlerischen Schaffens. Cheng zählt zu den stillen Pionieren einer Kunst, die Natur, Technologie und Gesellschaft miteinander in Beziehung setzt. Seine Arbeiten sindzugleich poetisch und kritisch – sie fordern uns auf, über unser Verhältnis zur natürlichen Umwelt nachzudenken.

In der Ausstellung The Burnt Sea präsentiert die renommierte australische Künstlerin Janet Laurence (*1947) eine eigens für die Alfred Ehrhardt Stiftung entwickelte Installation. Unter Verwendung von Alfred Ehrhardts ikonischen Korallenaufnahmen aus den 1930er und 1940er Jahren schafft Laurence einen Erfahrungsraum, der die Fragilität und den Verlust der Meereswelten poetisch erfahrbar macht. Gedruckt auf nahezu schwerelosen Seidenvoile-Stoffen, wirken die Korallenbilder transformiert, fragmentiert und zerbrechlich. Licht und Luftströme verwandeln die Stoffbahnen in ein schwebendes Gesamtkunstwerk, das wie von Meereswellen bewegt die ephemere Schönheit der Natur unterstreicht und gleichzeitig auf ihren gefährdeten Zustand aufmerksam macht.

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Das Astrup Fearnley Museet präsentiert Space Making, eine Ausstellung, die das Schaffen von Tiefe und Räumlichkeit in der Malerei ergründet. In einer Zeit, in der die figurative Malerei dominiert, unterstreicht die Ausstellung die wichtige Rolle der Abstraktion in der zeitgenössischen Kunst.

Mit über 110 Werken von acht Künstler*innen verschiedener Generationen aus Argentinien, Ghana, Norwegen, Südafrika und den Vereinigten Staaten schlägt die Ausstellung eine Brücke zwischen zeitgenössischer Praxis und historischem Kontext. Die Künstler*innen - einige bereits etabliert, andere noch in den Anfängen ihres künstlerischen Daseins - nutzen die Sprache der Malerei als Mittel zur Konstruktion von Raum: auf der Leinwand, in der Architektur und als konzeptuelles Werkzeug.

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Die große Sonderausstellung zeigt Highlights aus den Sammlungender 21 Kunstmuseen des Ruhrgebiets im Dialog. Die 21 RuhrKunstMuseen stehen für die einzigartige urbane Museumslandschaft im Ruhrgebiet und präsentieren jährlich über 150 Kunstausstellungen in 16 Städten. Mit der Ausstellung tragen erstmals alle Häuser des Netzwerks ausgewählte Highlights ihrer Sammlungen in zehn Themenräumen zu einer gemeinsamen Ausstellung zusammen. International renommierte Künstler*innen treffen auf regionale Positionen und Künstlergruppen, die eng mit dem Ruhrgebiet verbunden sind. Ergänzend zur Ausstellung wird die Bandbreite der Sammlungen der 21 RuhrKunstMuseen digital unter www.21x21.de mit rund 400 Kunstwerken noch umfassender präsentiert.

Vom Silberschatz der St. Annen-Kirche über Werke von Käthe Kollwitz bis zu Andy Warhols „Holstentor“(1980) – in den Depots der Kunsthalle St. Annen und des St. Annen-Museums verbergen sich kostbare Schätze aus neun Jahrhunderten, die zum Teil noch nie öffentlich gezeigt wurden. Nun bietet sich eine einmalige Gelegenheit: Bevor die Kunstwerke aufgrund eines Depotumzugs in ein Außenlager umziehen werden, können Besucher:innen die vielfältigen Bestände aus nächster Nähe erleben.

Die Sammlung Philara freut sich, eine Auswahl von Werken in der Miettinen Collection, Berlin, zu zeigen. Die Ausstellung ist Teil eines freundschaftlichen Dialogs, der auch eine Präsentation der Miettinen Collection in ihrem Düsseldorfer Ausstellungshaus ab dem 29. Juni 2025 umfasst. Weitere Standorte sind Potsdam und Helsinki.

In anderen Händen fokussiert Improvisation, Humor, Freude, Verlangen und Widerstandsfähigkeit im Umgang mit Gegenwart. Gezeigt werden Arbeiten, die unverstellte Gefühle, körperliche Präsenz und Unmittelbarkeit ausdrücken oder sich dem Strom des Werdens widmen.

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Die Stiftung Schloss Neuhardenberg widmet sich in einer Sonderausstellung der kulturellen Blütezeit Berlins um 1800, die als Berliner Klassik bekannt ist. Mit rund 100 Leihgaben aus bedeutenden öffentlichen und privaten Sammlungen widmet sich die Ausstellung dieser herausragenden Epoche kultureller Erneuerung.Trotz politischer Widrigkeiten entwickelte sich Berlin durch bahnbrechende Errungenschaften in Architektur, Literatur, Musik und Philosophie zu einem Zentrum des kulturellen Austauschs. Das klassizistische Ensemble Neuhardenberg selbst steht im Geist dieser Zeit.

Am 22. Mai 2025 wäre der Schweizer Künstler Jean Tinguely (1925-1991) hundert jahre alt geworden. Aus diesem Anlass wird sein innovatives, spielerisches und bis heute aktuelles Werk in Museum Tinguely und international mit einer Reihe von Ausstellungen und zahlreichen Veranstaltungen und Aktivitäten gewürdigt.

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PROGRAMM ZUM 100. GEBURTSTAG VON JEAN TINGUELY IM MUSEUM TINGUELY

• Geburtstagsfest | 22. Mai 2025
• Kunst-Geisterbahn von Rebecca Moss & Augustin Rebetez | 22. Mai - 30. August 2025
• Internationale Konferenz | 20. - 22. März 2025
• Neue Publikation zum 100. Geburtstag "l'univers tinguely" | Mai 2025

DAS MINSK Kunsthaus in Potsdam zeigt im Frühjahr 2025 die Ausstellung IM DIALOG – Sammlung Hasso Plattner: Kunst aus der DDR. Die zweite Sammlungspräsentation setzt auf den Dialog als Herangehensweise an die Kunst der ehemaligen DDR.

‍‍IM DIALOG zeigt rund 50 Sammlungswerke von Künstler:innen wie Gudrun Brüne, Hartwig Ebersbach, Ulrich Hachulla, Rolf Händler, Bernhard Heisig, Johannes Heisig, Peter Herrmann, Ralf Kerbach, Walter Libuda, Peter Makolies, Wolfgang Mattheuer, Harald Metzkes, Stefan Plenkers, Gerhard Richter, Arno Rink, Cornelia Schleime, Willi Sitte, Gabriele Stötzer, ErikaStürmer-Alex, Werner Tübke und Ruth Wolf-Rehfeldt, vorwiegend aus der Zeit von 1966 bis 1992.

Im Rahmen des vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen geförderten Programms „Forschungsvolontariat Kunstmuseen NRW“ wurde im Museum Schloss Moyland das Forschungsprojekt Joseph Beuys und der Nationalsozialismus – Ein Laborraum ins Leben gerufen. Es befasst sich mit der Geschichte des Künstlers Joseph Beuys (1921–1986). Der Fokus liegt dabei auf seiner Rolle im Nationalsozialismus sowie seiner späteren Positionierung zu seiner Zeit als Soldat im Zweiten Weltkrieg und zur NS-Ideologie.

Die auf den Laborraum bezogene Ausstellung Auschwitz und der Zweite Weltkrieg im Werk von Joseph Beuys fragt vom 30. März bis 29. Juni 2025 nach den ästhetischen Strategien, mit denen Beuys auf die Ungeheuerlichkeit der systematischen Vernichtung von Menschen jüdischen Glaubens, von Sinti und Roma, Kommunisten und anderen im nationalsozialistischen Deutschland verfolgten Gruppen reagiert hat.

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Das Kunstkraftwerk Leipzig, bekannt als Pionier für digitale Kunst und immersive Erlebnisse, lädt mit seiner neuesten Produktion und Ausstellung „ORIGINS – Ursprung des Lebens“ zu einer faszinierenden Entdeckungsreise ein. Unter der künstlerischen Leitung von Markos Kay und in Zusammenarbeit mit renommierten Digitalkünstler*innen wie Zeitguised, Nervous System, Kling Klang Klong, Martin Salfity, Davy Evans, Susie Sie u.v.m. entsteht mit den neusten technologischen Möglichkeiten erstmals eine künstlerische Reise und Interpretation unserer Entstehungsgeschichte. Von 3D-Design über Künstliche Intelligenz und analoge makroskopische Fotografie kommen die unterschiedlichen technischen Ansätze zusammen, um dem Geheimnis des Lebens näher zu kommen. Wissenschaft, Kunst und Technologie verschmelzen zu einem Gesamtkunstwerk.

Die VILLA in Fulda ist dem Frühwerk von Franz Erhard Walther gewidmet und stellt in der dritten Ausstellungprägende Einflüsse auf sein Werk in den Jahren 1957-1960 vor.

Die Ausstellung BILDBAUSTOFF versammelt verschiedene Aspekte, die in den für Franz Erhard Walther entscheidenden Jahren zwischen 1957 und 1960 von Bedeutung waren und Baustoff für die Basis eines Werkes wurden, welches wenige Jahre später seine bis heute gültige Definition erhielt. Jeder Werkbildung geht eine Zeit voraus, in der die umgebenden Einflüsse, die visuellen und intellektuellen Prägungen die Materialgrundlage für einen künstlerischen Kosmos bilden, der zu Beginn noch ohne Namen ist.

Gezeigt werden exemplarische Werke Walthers neben Dokumenten der Zeit, deren Spuren oftmals erst zu einem späteren Zeitpunkt und in veränderter Erscheinungsform ablesbar sind. Auch wenn diese Prägungen untrennbar mit dem jeweiligen Ort und der jeweiligen Zeit verbunden sind, formt sich das Eigene, ohne das eine Werkdefinition nicht möglich ist, in den spezifischen Interessen und Vorlieben und den erst im Nachhinein zu verstehenden Verknüpfungen der verschiedenen Bilder.

Erstmalig wird der argentinische Künstler Leandro Erlich in einer Soloausstellung in Deutschland präsentiert. Im Kunstmuseum Wolfsburg stellt er im wahrsten Sinne des Wortes die Welt auf den Kopf: Was verbirgt sich im Inneren eines riesigen Mondes? Kann ein „lebensgroßes“ Haus schweben? Lassen sich Wolken in einer Vitrine einfangen und präsentieren? Wie kann scheinbare Schwerelosigkeit in einem Raumschiff zum Ausstellungserlebnis werden? Was hat es mit dem Satellitenbild einer Landschaft auf sich, das in luftiger Höhe hängt?